La música tiene ARTE

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Vamos a desvelar brevemente con este artículo algunas de las diez portadas más famosas creadas por artistas trascendentales de la Historia del Arte. Algunas son icónicas y muy conocidas; sin embargo, otras no lo son tanto, pero son muy sorprendentes. Unas y otras se basan en famosas obras de arte o en diseños robados de cuadros, con o sin consentimiento del autor. Sea como fuere, las portadas discográficas son todo un arte, y muchos son los melómanos que las conservan como oro en paño porque elevan el precio por su gran componente visual.

La historia de las portadas de los discos se remonta a 1939. Antes los primeros discos se vendían en sobres de papel marrón porque lo importante era el interior, hasta que la industria discográfica, de la mano de Alex Steinweiis, amante del arte Decó y La Bauhaus y director de arte de Columbia Records creó la primera portada usando técnicas del diseño gráfico, lo que incrementó considerablemente las ventas.

Figura 1. Cinco tocadiscos-vinilos de colores expuestos en línea. / CitaroJota

Acto seguido, la agencia de diseño Hipgnosis marcó la tendencia a nivel internacional usando elementos del Surrealismo de Dalí, Buñuel o Duchamp. Hoy en día, los diseñadores están de acuerdo que una portada debe marcar el espíritu de la época actual con elementos provocativos, fotos o collages, como bien hizo el icónico artista del Pop Andy Warhol que combinaba conceptos de comercialización, producción en masa y elemento del mundo de los famosos. El arte ha sido fuente de inspiración para muchos artistas y diseñadores gráficos.

Así, la música heavy, concretamente Guns N´ Roses, también ha utilizado obras maestras del arte, como el caso del fresco La escuela de Atenas del renacentista Rafael. Y es que Axl Rose vio la pintura de este artista y quedó enamorado de ella deseando que apareciera en uno de sus trabajos. Algo que hizo Mark Kostabi diseñando la portada de dos de sus álbumes que utilizan el mismo diseño, pero con distintas tonalidades: rojos y anaranjados y azules.

La Escuela de Atenas es un fresco de Rafael Sanzio realizado entre 1510-1511. Está ubicado en la Estancia del Sello o Stanza della Segnatura —una habitación destinada a ser la biblioteca papal en el Palacio Apostólico del Vaticano. La Escuela de Atenas representa el valor del pensamiento científico y la verdad natural, cuyo desarrollo es atribuido a la Antigüedad clásica. La obra encarna todo el programa cultural del Renacimiento, pues vemos la presencia de los grandes pensadores y científicos del mundo clásico, e incluso del mismo Renacimiento.

La libertad guiando al pueblo de Delacroix inspiró uno de los discos de Coldplay. La icónica pintura del Romanticismo impregnó todo el álbum, en un trabajo llevado a cabo por Tappin Gofton y Chris Martin. La portada del disco, que se lanzó en el 2008, muestra la obra de Delacroix con un título con pintura blanca en el que se puede leer Viva la Vida. Esta pintura muestra, de un modo alegórico, los sucesos revolucionarios acaecidos en la capital francesa durante los días 27, 28 y 29 de julio de 1830. En ellos, el monarca Carlos X,perteneciente al reinado de los Borbones,restringió ostensiblemente las libertades del pueblo francés en una conducta plena de autoritarismo, del que rápidamente derivó en un levantamiento por parte de las diferentes clases sociales de la época.

Figura 2. Coldplay en la gira del disco Viva la Vida con la imagen detrás de La libertad guiando al pueblo en Dallas. / Matthew T. Rader 

Este estilo artístico del Romanticismo también influyó en el álbum del grupo irlandés de The Pogues, titulado Rum, Sodomy and the Lash (1985), que se inspiró en La balsa de la Medusa de Théodore Géricault, pero con los rostros de los miembros de la banda reemplazando a los de los náufragos. La ejecución de la portada la llevó a cabo el artista e ilustrador Peter Mennin para este grupo punk que usa la música folk tradicional del país. La escena capta el instante en el que un grupo de náufragos avistan una vela en el horizonte, la fragata que no los recogerá. En la parte inferior de la balsa se encuentran los muertos y a un par de personas que los están sujetando. En la parte superior de la balsa están los supervivientes, que están agitando los brazos para intentar ser vistos. Parece como si en la barca, repentinamente hubiera nacido una palpitación de vida y esperanza.

En la discografía de Rod Stewart se usó en la contraportada del disco A night on Town el cuadro impresionista Baile en el Moulin de la Galette de Renoir. El cantante tomó la decisión de pasar la pintura a la portada, haciendo un efecto de póster y colocando la fotografía del cantante en el centro con un sombrero de paja y una copa de champán en la mano. Una imagen que jamás gustó al autor como indicó en su autobiografía. La obra representa una escena al aire libre. En ella observamos uno de los tantos bailes que se celebraban junto al Moulin de la Galette, en el famoso barrio parisino de Montmartre. En la escena aparecen numerosos personajes charlando y bailando, rodeados de luces y árboles, creando un ambiente festivo y dinámico, donde se mezclan la alegría y la inocencia. Se trata de una situación real donde incluso aparecen representadas distintas amistades del pintor, situadas a la derecha, que se encuentran charlando en una de las mesas.

En el mundo del Postimpresionismo, y en especial de la obra de Van Gogh se basó la portada del grupo funk setentero The Blackbyrds, que utilizó el último cuadro del artista Campo con cuervos (1890) donde una bandada de pájaros -blackbyrds- sobrevuelan un trigal. Así, el Campo de grano con cuervos, junto con la Iglesia de Auvers, puede ser considerado como su testamento artístico y espiritual. Pintado pocos días antes de su suicidio, revela el drama existencial de su autor. A pesar de que reaparece la combinación amarillo azul, ha perdido su nota alegre. El lienzo está dominado por una atmósfera oscura, cargada de presagios, y el vuelo de los cuervos no alivia en modo alguno la tensión.

Depeche Mode también sucumbieron al arte del surrealista Salvador Dalí, como se puede apreciar en su portada del sencillo New Life del álbum Speak and spell, que se inspira en la obra daliniana Niño geopolítico observando el nacimiento del hombre nuevo que representa la renovación, la vida y la continuidad. Algo que buscaba el grupo en su metáfora de renovarse musicalmente. En este cuadro de Dalí, el huevo servía como introducción al recurso de la imagen doble, una de las nuevas posibilidades que ofrecía su método paranoico-crítico. El huevo no se transforma en nada; es el lugar donde se produce el nacimiento de un ser humano. Su apariencia blanda, más que viscosa, contrasta con la naturaleza líquida del mapa de la tierra que está representado en la superficie. Por encima de tan curiosa escena de alumbramiento -no olvidemos que para ciertas culturas el huevo es el símbolo del alma- una gran sábana actúa como protección, que no sólo ofrece sombra sino seguridad.

En la producción artística de Salvador Dalí, el propio artista diseñó la portada del disco Lonesome Echo de Jackie Gleason, un comediante estadounidense que grabó algún que otro disco, y que en el caso del que diseñó Dalí pasó prácticamente desapercibido en el campo musical. Llama la atención la contraportada en el que los dos artistas se están dando la mano y un statement, escrito por el pintor, con frases surrealistas. Ese mundo de sueños fue también fuente de inspiración para el álbum Beck ola de The Jeff Beck Group en 1969, que eligió para su segundo trabajo la obra de René Magritte mostrando una enorme manzana verde que ocupa toda la habitación. Y ese mundo del artista belga influyó en Paul McCartney.

La portada del disco de The Velvet Underground & Nico es una de las más icónica al ser firmada por el artista Pop Andy Warhol que diseñó una banana, haciendo que se le conozca popularmente con el nombre de banana álbum. Esta banda estadounidense, además de contar con el diseño de una de sus portadas de mano de Warhol también contó con el artista como mánager. Lo más curioso de la portada fue que las primeras copias del álbum invitaban con una pegatina a pelar lentamente y ver. Si uno quitaba la pegatina, se encontraba con un plátano de color carne debajo. Hoy tener un vinilo con esa pegatina, es tener un objeto de coleccionista muy valorado dentro del mercado.

Asimismo, la portada del disco Artepop de Lady Gaga en 2013 fue diseñada por el máximo exponente del arte Neopop Jeff Koons, cuya obra es controvertida y mercantil por su uso del marketing. La portada es un collage que incluye recortes de la escultura de Apolo y Dafne de Bernini y de la pintura El nacimiento de Venus de Boticelli. La cantante usa una peluca rubia, se cubre los senos y sostiene una esfera metálica de color azul para tapar sus partes íntimas.

El nacimiento de Venus en sin duda una de las obras de arte más famosas y apreciadas del mundo. Pintada por Sandro Botticelli entre 1482 y 1485, se ha convertido en un símbolo de la pintura italiana del siglo XV, llena de significados alegóricos y referencia a la antigüedad. El tema deriva de la literatura latina de la Metamorfosis de Ovidio. Venus es retratada desnuda sobre una concha en la orilla del mar; a la izquierda los vientos soplan suavemente acariciando su cabello con una lluvia de rosas, a su derecha una sierva espera a la diosa para vestirla.

El grupo Blur, abanderado del britpop, contó con Bansky en el diseño de su portada Think Tank en el año 2003, quien aseguró que la realizó para pagar sus facturas a pesar de ser un artista de desconocida identidad cuyo trabajo se define por su protesta política y anticapitalista. La portada original del álbum se vendió en una subasta en 2007 por 75.000 libras.

El joven artista Jean Michel Basquiat produjo en 1983 el single Beat Bop, un combate de bandas de diez minutos de duración entre los jóvenes MCs y los grafiteros K-Rob y Rammellzee, del que se sacaron al mercado quinientas copias y fue impreso en la propia imprenta del artista plástico, junto a una portada diseñada por él. Este single ha sido exhibido en el museo MoMa de Nueva York.

Por último, la portada del segundo álbum del conjunto británico Franz Ferdinand toma como referencia el cartel soviético de Alexandr Ródchenko en 1924 que muestra la imagen de la escritora y directora soviética Lilya Brik y las palabras libros, pasión y cultura. El grupo cambió la modelo y sustituyó el mensaje por el nombre de la banda y cambiaron los tonos de la imagen utilizando verde, rojo, blanco y negro al estilo pop.

CONCLUSIÓN

Las disciplinas: Historia del Arte e Historia de la Música se fusionan más de una vez en las portadas de discos, en los carteles de las giras de los artistas y grupos y en los videoclips. Pero son las portadas de los discos las que más usan las obras maestras de la pintura y la escultura para atraer la atención del comprador. Muchas de ellas se han hecho icónicas con el paso del tiempo y muchos melómanos andan a su caza y captura, porque aparte de tener uno la obra discográfica de su artista o banda favorita tiene también en sus manos una pequeña obra de arte en formato cuadrado.

BIBLIOGRAFÍA

  • CRUMB, ROBERT. (2011). La colección de portadas de discos. Barcelona: Ediciones La Cúpula, s. a.
  • GEUDIN, CHRISTOPHE. (2017) Vinilos: Las mejores portadas de discos de la Historia. Barcelona: Editorial Lunwerg.
  • OCHS, MICHAEL. (2005). 1000 Record Covers. Barcelona: Editorial Taschen.
  • SPAMPINATO, FRANCESCO. (2017). Arte Record Covers. Editorial Taschen.

IMÁGENES

  • Figura 1. Cinco tocadiscos-vinilos de colores expuestos en línea. CitaroJota. Dominio público en Wikipedia Commons.
  • Figura 2. Coldplay en la gira del disco Viva la Vida con la imagen detrás de La libertad guiando al pueblo en Dallas. Matthew T. Rader. Dominio público en Wikipedia Commons.
  • Figura 3. Andy Warhol buscando la banana split de Thomas Deller. / Bruno Ehrs. Dominio público en Wikipedia Commons.
  • Figura 4. Imagen icónica de la banana del disco de The Velvet Underground. Dominio público en Wikipedia Commons.

Roberto Núñez Gutiérrez

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